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Movie Magic

映画の魅力とは何なのか。見解を交え、熱く語っているブログです。映画をもっと知ってほしい、もっと好きになってほしい。それだけを願うブログであるのです。他にも様々な分野にも綴っております。ぜひご覧ください

「大人の見る繪本生まれてみたけれど」の魅力とは?-小津映画を語る![考察と解説]

こんちくわ!Shygonです!
 
今回は日本人として絶対知っておかなければならない監督、
 
 
 
彼の初期の映画作品は、あまり現存しているものが多くなく、
その中でも大人の見る繪本生まれて見たけれど現存している中でも非常に評価が高い作品になっております。
 
彼の作品は後に世界中から小津調と呼ばれ、尊敬されていました。
 
この作品は初期作品ということもあり、無声映画になっていますが、彼の特徴がはっきり色濃く描かれており、映画の古さを感じさせないものとなっています。
 
1932年に作られた本作は無声映画で、劇中途中に会話が描かれたカットが差し込まれ、当時の西洋映画の特徴に非常に似ていました。しかし、全部の会話が文字として映し出されるのではないため所々予想しながらみていくことも必要です。
 
ではあらすじからご紹介します。
良一、啓二のお父さんは、重役の岩崎の近くに引っ越して出世のチャンスをうかがっている。だが、兄弟の前では厳格そのもの。引っ越しで転校した兄弟は早速地元の悪ガキグループと喧嘩した揚句、鬱陶しくなって小学校をずる休みするも担任の家庭訪問で知られ、二人は父さんから大目玉。そのうち悪ガキ仲間と友達になり一緒に遊ぶようになる。その中には岩崎の子供もいる。ある日、みんなで「うちの父ちゃんが一番えらい」と自慢する話が出る。兄弟も自分の父親が一番えらいと信じて疑わなかったが、ある日、岩崎の家へ行って見せてもらった16ミリ映画の中で、父は岩崎の前でお世辞を言い、動物のまねまでしてご機嫌伺いをしていた。怒った二人は食事も取らず、またしても学校をサボって抗議する。しかし、その抗議も長続きせず母のとりなしで兄弟は夕食を食べて寝る。父も子供の寝顔を見ながら、家族のためとは言いながら子供を絶望させたことを後悔する。翌朝、いつものように父と兄弟は一緒に家を出る。
 
 
 
あらすじというかこれが映画の全てなのです。しかしこの映画ネタバレのような感覚がないのです。
 
引っ越ししてきたある家族の数ヶ月に焦点を当て子供目線から見る大人の世界を描いた作品となっています。
双子のような兄弟が転校してきて、新しい学校に馴染む姿から始まります。
同じように父親が生きる大人の世界とはなんなのかを子供の目線から描くことで、とてもほんわかした家族ドラマに仕上がるのです。
無声映画ではありますが、皮肉まではいかない、冗談が散りばめられていて、当時の貧しい日本が世界に挑戦していく前夜の殺風景も見所です。
ここで小津監督は決して大人の目線から坦々と家族ドラマを描くのではなく、
子供なりの気持ちや思いを主体に描くことで家族ドラマ自体に厚みを持たせたような気がしました。
双子のような兄弟は父親がずっと偉い人になれと言われていたこともあり、父親のことを尊敬し、偉い人だと思い込んでいました。
しかし実際は金持ちの友達のお父さんにペコペコ頭を下げて、機嫌取りをしていたため失望と共に何らかの矛盾を感じてしまいました。
そこで強く父なりの家族の守り方に真っ向から対立した彼らは数日間ご飯を食べようとしません。
しかしお腹の限界がきて、コソコソおにぎりを平らげていると、父親が話し始めたのです。
 
ここで兄弟は子供なりに大人の世界の現実を理解し、改めて父を家族の大黒柱として一目置くのです。
 
特に全編通してなにも起こらない映画ではありましたが、
こんなに情報の少ない中、感情の変化を描くのが難しいと言われている子供の目線から彼らの成長を描く作品に僕は感激しました。
 
なんせ父を認め、現実の世界に溶け込んで行く彼らの最後のシーンは見ものです。
 
世界の小津の初期作品としてこれから確立される独特の映画スタイル、小津調の前線を垣間見れるのです。
 
古い映画ではありますが、ぜひご鑑賞下さいませ。

新作ワイスピ8語る!+ 前作の地上波初上陸の際の炎上語る![考察と解説]

こんちくわ!Shygonです!

 

今回は新作ワイルドスピードを熱く語ります!

 

この映画に関してはアクション映画ということもあり、僕がなにかを語るというのではなく、裏事情や、関連性のある話を語ります!

 

基本情報から、ワイルドスピードは2001年頃から始まるシリーズ作となっています。今作は8作目で、ほかのシリーズ作品などではよくある、路線変更や、失敗した前作をなかったことにするなど荒手な製作志向がないのが魅力的ですね。

一部時系列がずれているところがいりますが、公開されるたびに前作のスケールを超えてくるモンスター映画になっています。

 

前作スカイミッションについては車を飛行機から実際に落下させ、今作ではビルの上から滝のように車を落とし、ぶっ壊すシーンなどファンから見れば最高なのです。

 

今作に関して言えば専門家によると

シリーズ第8作目にあたる『ワイルド・スピード ICE BREAK』の全米公開が間近に迫っているが、イギリスの自動車保険サイト『Insure the Gap』が同映画シリーズ全7作を全て見直し、その映画内で実際に破壊された物品の被害総額を算出した。同サイトによると、その金額は約581億円に上るという。

その統計を詳細に調べると、169台の普通車が破損、142台の普通車が破壊され、37台のカスタム車、バス、電車、ヘリコプターなどの特殊車両が破壊された。それらに加え、51棟のビルが破損、31棟のビルが破壊され、432の物品が破損された。破壊された最も高額な車は『ワイルド・スピード SKY MISSION』に登場した約3.8億円のLykan Hypersportだった。意外なのは、主人公側の破損総額が約363億円であるのに対し、悪役側が220億円と、より少なかったことだろう。

 引用元

映画ワイルド・スピードシリーズ7作内での、物損の被害総額は581億円以上 | HYPEBEAST

 

もう言葉がでません。そんな数字ですよね

 

ではやっと本題に。。。

 

ワイルドスピード8に対する思い

全体的にまとまっててスッキリしました。

前半戦に巻き散らかした種をしっかり回収していて十分楽しめました。

アメリカがやっとキューバと国交回復し、その勢いでこの映画の始まりがキューバなのです。やはり時代のトレンドをしっかり押さえてくるのはさすがだと思いました。

そしてやはり前作のブライアンの死をどう描くかというところが僕の一番の注目ポイントでした。

そのつながりがなぜドレットが裏切ったのかとオチにつながっていくのです。

少し無理をしている設定かと少し思ってしまいますが、まとまっていたのでそんなに気にするところではないかと思います。

 

ファミリーの危機になったときある一人がブライアンに助けを呼ぼうと提案しますが、彼の生活があるからだめだと却下されていました。その際に心の中で勝手に突っ込んでしましたが、あのオチを見るとなんともいえない気持ちになります。

 

そしてこのブログ毎回触れるのが、監督です。今作実はこのシリーズ初の黒人の方が監督を務めています。

Fゲイリーグレイという方なのですが、この監督ご存じない方の方が多いのかもしません。

彼の前作straight outta Comptonは本当に僕の好きな作品なのです。

ラップを聞く方はご存じでしょうがNWAという伝説のラッパー集団の伝記映画を作っています。

beatsやEminemのプロデュースなどを手掛けているDr.DreはこのNWAの出身の方ですね。

僕はラップが結構好きなので、この映画のリズム感や方向性がとても映画の創作性とNWAの音楽の方向性があっていて、監督の手腕が目立っていましたね!

 

その勢いがこの新作ワイルドスピードにそのまま反映されていました。

 

 

そして最後に怒っています。

実はこの作品には関係ありません。この映画の公開記念で公開日に金曜ロードショーで某テレビ局が前作のワイルドスピード7を放送しました。

その際に最後の大事なシーンを時間の関係上、割愛していました。

やはりネットで物議を呼び、炎上しました。

僕も彼らの意見に全くの同意です。

前作の最高の出来といっても過言ではない最後のシーンをカットは本当に最悪です。映画を放送する権利などないと思っております。もう言葉が出なくなり、悲しいです。

 

一映画のファンとして、映画製作者に敬意を見せるということを放送側として少しでも考えたら、あのような悲劇は防げたと思っております。

さらにあの映画に関して言えば、重要なポストの俳優が撮影中に亡くなり、最後に映画で黙とうを捧げる、

For Paulと。

俳優としてこれほど名誉なことはなく、映画丸々一本を一人の俳優に捧げる行為自体一ファンとしてうれしい限りです。

彼ら映画製作者として、俳優として、僕らファンとして敬意を示すという意味でのあの演出に配慮してほしかったです。

 

映画を見る人にとって映画の製作者に少なからず敬意の意を込めることは僕は必要であると思います。

もう少し彼らの立場で物事をとらえてほしいものです。

彼らにとって映画というものは息子同様であり、命を懸けて作るものです。

その魂にそんな演出をされたらどう思うのでしょうか。

See You Again とともに俳優ポールウォーカーに敬意を示したかった。

そんな思いと同時に今の日本の映画に対する対応に悲しみがこみ上げてきました。

 

 

最後にこれはあくまで僕個人の意見です。

以上です。

 

難解映画「メッセージ」が送るメッセージとは!?[考察と解説]

こんちくわ!shygonです!
今回はメッセージという映画に着目し、熱く語っていこうと思います!
 
この映画、一言で実に難しいです。
 
見るのが一番手っ取り早いのですが、
曇天返し映画なのです。
 
ここ20年でこのような部類の映画が数多く見られるようになりましたが、他の曇天返し映画は一回では気持ちがスッキリしなくても、なんとなく気持ちが晴れるオチが人々を虜にしますよね!?
 
しかし、この映画その曇天返し映画にガツガツな数学的な理論が重なったようなイメージなのです。
 
それが難しい理由です。補足で語るといままでの曇天返し映画はガイリッチー監督作品のような人の勘違いや、ちょっとしたシュールな人々の関係のズレが徐々に垣間見れ、最後に一気に落とされるような感覚なのです。なので、それらの曇天返し映画は現実世界かつSF要素は禁物でした。
しかし、この映画は数学的な理論を付け加えることでSF的要素を加えた曇天返し映画が完成するのです。
 
いま思い出したものを上げると
ユージュアルサスペクツ
ロックストックツーバレルズ
マチスティックメン
などの人間関係のゴタゴタで起こるハプニングにはない曇天返しが
映画メッセージにはあるのです。
 
物語のあらすじについては他の方のブログ等をご覧下さい。
簡単に、ある日突然宇宙人が世界計12カ所に上陸します。そこで彼の伝えるメッセージを解読するために娘をなくしたばかりの女性言語学者に委託し、事件解説に走るのです。男性物理学者も同行し、理論的に協力していくのです。同時に世界に混乱をもたらし、市民が暴走をはじめついには国レベルで武力行使で排除しようとし始めるのです。しかし、主人公ただ一人はそれを信じようとせず文字の解明に突っ走るのでありました。
 
 
キーワードを熱く語る!
僕は映画にチラホラ出てくる様々なキーワードが重要かと思います
  • 回顧録の意味とは
この映画はじめに娘をなくし、悲しみにくれているところから始まります。
その後解読に努めますが、それに娘との楽しかった記憶が回顧録として無造作に物語に組み込まれるのです。
ココがまず注目すべき点です。
なぜ一見関係のない娘との会話を彼女が解読中に流れてくるのでしょうか
  • 娘ハンナの名前の由来とは
次に2つ目です。劇中何度か娘の名前ハンナが出てきます。そして、ハンナが母親(言語学者)になんでこの名前なのかと聞いてくるのです。
そこで母親はhannahというスペルに注目します。
ハンナは前から読んでも後ろから読んでもハンナと読めるのよ、と答えます。ここで注目すべき点はこのくだりが一回ではないということです。なぜ強調する必要があるのか。
  • 宇宙人の言語体系とは
3つ目です。彼らの言語は徐々に解読が進み段々わかってくるのですが、ここで様々なことが浮き彫りとなってくるのです。
  1. 彼らの言語、言葉と文字が一致しないという点です。
  2. 彼らの文字が円状になっており、どこからがはじまりでありどこがおわりかが分からないという点です。
  3. 彼らの言語が表意文字であるという点です。英語のアルファベットのようにそれだけで意味が伝わらないものではなく、日本の漢字のように文字だけで意味が伝わるもののようなことを指します。
 
一体この規則が導くオチとはなんなのか、ここで暴くのではなく、
映画メッセージのように、謎を残したまま次に進みたいと思います。
 
ここで話が変わりますが、この映画の公開前あることが少し話題になりました。
このメッセージという邦題のセの文字だけフォントが違うというのです。よくよく見てみると若干違うのがわかりますが、見つけた人すごいですよね笑
そこでファンの方が間違えかと疑っていたのですが、これは実は故意であるということがわかったのです。いままで様々な映画を見てきた僕ですがこんなはじめから仕掛けてくるのは初めてです。一体この故意のフォントの違いは何を示しているのでしょうか。
 
 
映画メッセージの裏事情
そして映画の話をさせて下さい。
監督がドゥニヴィルヌーブという人で彼の前作ボーダーラインという映画も僕のお気に入りの映画なのです。
彼の撮る作品がアクションやSFに出やすい陳腐さがなく、妙に臨場感があるのです。ですが、現実過ぎた領域ではないのであくまで映画として彼は描くのです。
これは僕の見解ですが現実離れしたSF的世界と日常生活の2つがあるとしたら彼の世界観は若干SF的世界ではあるがきちんと日常の世界観を描くことも忘れてはいないのです。
つまりしっかり地に足のついたぶっ飛んだヤツ的な感じでしょう。
わかりにくくなってしまったかもしれませんがそんな感じだ!笑
 
では次はその理由です。彼の映画前作ボーダーラインにはあまり感じられなかったのですが昔の映画監督スタンリーキューブリックのカメラワークソックリと感じてしまったのは僕だけでしょうか。
彼の世界観でなぜか湧き出てくる臨場感の謎がやっと解けた気がしてます。
絵の容量と同じで奥に視点を一点構え、左右対称なので、奥に引き込まれていくのです。その不気味な状態からカメラが逃げてくれず、留まるのです。
このカメラワークが見事功を成し、あの臨場感が出来上がっています。
そして、もう1つあります。
 
音楽家の存在です。
 
これはボーダーラインのときと同じ人でしたが、音楽家ヨハンヨハンソンは僕の好みの音楽家です。クラシック音楽を貫き、臨場感を引き出す低音のビート音と希望や次のコマの展開を予期するかのような高音が一度になり映画に厚みを持たせるのです。絶妙な両者の調和がこの映画の最大の魅力と言っても過言ではないのです。
 
 
そして、最後にこの映画のメッセージとはなんなのでしょうか。ここからはネタバレになるので、ご注意下さい。
 
実はこの映画過去の回想として出てくる娘との回顧録が実は未来の話であったというオチになっているのです。これには仰天ですよ!
これだから映画はやめられないんです。たまにくる魂にぐんとくるあの感じ、あれこそが映画の魅力であり、Movie Magicなのです。
 
ただ、単に未来の話でした〜というクソ映画ではないんです。
上記のように曇天返し映画に数学的な理論が付け加えられていると言ったのはこのことなんです。このオチを知ると上記の疑問がほぼ解決できるのです。
 
劇中に突然でてくる彼女らの回顧録は宇宙人が伝達の手段として、主人公に特殊能力として与え解読の手助けをします。
そして、娘の名前のハンナと宇宙人の言語が自然と繋がってきます。
 
つまり、彼らの生態、言語には時系列が存在しないということになります。
 
ハンナのくだりを何度も流したのも、文字が円状で始まりと終わりが分からなくなっている文字系列も全て最後のオチに繋がっていく鍵であるのです。
 
そして最後に宇宙人の言語が表意文字であるのは作者が関係していると考えられるようです。原作者のデッドチャンは中華系アメリカ人であり、彼が中国語、日本語などと英語との違いをこの作品に反映したらしいです。
そして、数学的な理論と僕が書いていますが、それは原作者が理数系を大学で先行していたこともあり、在学中のある理論を元に執筆したようです。そのため作品の全ての箇所に納得がいくのはそのためでしょう。
 
本当に最後に。
邦題の際にメッセージのセのフォントが違うということです。これに関しては未だに僕はわかりません。答えの分かる方は是非教えていただきたいですが、少しくらい謎が残る方が映画見て満足するのかもしれませんよ?
これは僕が過去見た映画からの経験則ですが、言い訳ではありませんよ?言い訳ではありませんよ?いいですか、言い訳ではないです笑
 
今回はこれで終わりとします。
びぇ!

カンヌ映画祭の仕組みって!?:各映画祭の違いとは?[解説]

こんちくわ!Shygonです。

 

今回は映画ではなく、ドラマでもなく、、、

映画祭について特集します

僕自身映画祭は映画を語る上でとても重要な事であると思います。

なぜなら、これから公開されるであろう映画を選定する一種の指標にあり、この結果により映画の興行収入が変わってくるからです。

 

さらにその時代の旬な映画の特徴や背景をそのまま映し出しているのです。

今回はその中でも世界三大映画祭に数えられ、世界で最も盛大に行われる

カンヌ映画祭に焦点を当て、熱く語って言いたいと思います。

最後に毎年5月の半ばに行われることもあり、予備知識として楽しんでいただければ幸いです。

 

毎回同様、いくつかのカテゴリーに分け、語りつくしますよ

 

 

1分でわかるカンヌの全容!?

カンヌはフランスの南地方に位置する小さな観光地、コートダジュールで行われている。(日本のカラオケチェーン、コートダジュールでピンときた方多いでしょうか)

 

毎年5月半ばになると世界中から映画関係者が挙って集まり、映画の売買が行われている。その年の一番早い大きな映画祭であるためそこからその年の目玉映画が出品されることが少なくない。

若手映画製作者にとっては自分らの作品を世界にお披露目できる場所として、若者の登竜門として知られている。

最近ではカナダ出身の新税グザヴィエドラン監督兼俳優が世界的に知られるきっかけとなった映画祭だ。

さらに映画祭としては世界最高峰の歴史を持ち、戦後直後から始まった長い歴史を持つ映画祭としても有名。

同時に時代の流れとともに様々な事件に翻弄され、映画を語る上で無視することのできない催し物である。

日本では有名なアカデミー賞とは大きく違い、世界中から作品が同じ土俵から評価され、カンヌの結果が今の時代を先行するくらい、常に時代の先端に位置付けられえている。

次の章で詳しく解説しよう。

 

カンヌの細かい仕組みとは!?

まず、選別の仕組みである。ここがほかの映画祭とは違うのだ。毎年審査員というものが変わるのである。

それはカンヌ映画祭の事務員が選定し、だいたい前の年に脚光を浴びた監督が多いというのが一つの特徴である。映画という業界ということもあり、若い人はなりにくく、すでに世界的に知名度が高いクリエーターが審査員長を務める傾向にある。

世界中から応募を受け、それを審査員長はじめその年の審査員たちがみんなで話あい、決めるのだ。なので、その年の審査員長がどんなタイプの映画が好きなのかで受賞してくる映画の傾向も違ってくるのである。

さらにここも他とは一味違い、投票する際に無名投票ではないということだ。例えば、アカデミー賞の際は無名投票で、毎年投票者が変わることはない。一回アカデミー賞の会員になればずっと毎年投票できるのである。

 

賞のカテゴリーは以下のようになっている。

パルムドール:映画祭において最高賞である。毎年、その結果によって大議論が巻き起こることが多々ある。だが、この賞を受賞した映画は他部門を受賞できないというルールが存在する。

審査員賞特別グランプリ:その名の通りである。この賞はわりと審査員長の意向が通ることが多いとされている。

後は通常通り各分野の賞が設けられている。

監督賞、女優賞、男優賞そして脚本賞である。

 

さらにここがもうひとつの面白い特徴だ。

 

ある視点部門である。

この部門は簡単に言うと野球でいう新人王にあたるものである。

映画祭では若者に特化した、次世代の映画製作者に的を絞って評価するのはとても珍しいことである。

さらにこの選定あまり映画製作の盛んではない国出身の監督も多く受賞しているということからかなり公平かつ、本来の映画祭の意味をしっかり理解した選定になっていると僕は思い、毎年結果が楽しみなのである。

実際日本から様々な映画が出品されているが、いまだに受賞はない。

 

カンヌの傾向を徹底追及!

上記に示したように、様々な有名監督の登竜門であったことが世界的に知られているカンヌ映画祭。例を挙げるときりがないレベルである。

  1. 黒澤明:言わずとしれた世界のクロサワ。実は彼も羅生門という映画で初めて国際的に名前が知られ、世界のクロサワとまでいわれるようになったのであった。
  2. フランシスフォードコッポラ:名作ゴットファーザーを世に送り出した彼もカンヌで評価された監督の一人である。カンヌ自体が彼の登竜門ではないが、彼とカンヌは今でも密接な関係を保っている。
  3. マーティンスコセッシ:彼もまた一人。名作の域を超えたタクシードライバーをはじめて世に送り出した場所はココ、カンヌであり、彼のキャリアの原点でもあった。

このような有名監督や、特にイタリア出身の監督の受賞はカンヌでは常連である。

例えば、ヴィムベンダース、フランソワトリュフォーなども含まれる。

最後にこの話を紹介したいと思う。

世界的に有名な監督クエンティンタランティーノは2003年、カンヌ映画祭の審査員長を務めた。その祭、彼ただ一人だけ絶賛の喝采を送った映画オールドボーイ(韓国)の監督ポンジュノは彼のサポートもあり、今ではハリウッドでも撮るようになるまでの方にあったのである。

確かに映画オールドボーイは僕の本当にお気に入りの映画の中の一つである。そのような国、作風にとらわれず、評価するカンヌ映画祭はやはり時代の先を常に言っていると確信している。

今年もその時期に差し掛かりました。なので、ぜひチェックをお願いします。

そして映画の繁栄を願うばかりです。

 

びぇ!

 

 

 

これは面白い!!今後の展開が気になるドラマ、ストレンジャーシングスを語る![解説と考察]

こんちくわ!Shygonです。

 

今回はnetflix製作のSFアドベンチャー、ストレンジャーシングスについて熱く語ります!
このドラマ、見た方はとても違和感を感じたことと思います。

それはなにか、なぜか違うからです!

その正体とはなんなのか、主人公たちがデモゴルゴンを探す旅のような感覚で真相を解明していきたいと思います。

今回も各カテゴリーに分け、様々な視点から語っていきますよ!?

なおあらすじについては省略させていただきます。

 

 

70、80年代を彷彿させる作風!?
僕はこのドラマ本当に好きである。

なぜなら映画ではないからだ。
見る前から一種のドラマとわかって見始めたのだが、とても様々な映画のオマージュのような雰囲気を漂わせているという点が気になったのだ。例を用いて説明しよう。
まずははじめの冒頭、タイトルロールである。これをはじめて見たとき興奮を抑えられなかった。

そうあの名作スターウォーズの面影を感じるのであった。

あの文字の並び方、タイトルロールの出し方そっくりとまではいかないがとても近い気がするのである。
そしてあの劇的な登場とともに鳴り響いてくる振動のようなドラム音、なにかを予知させる音楽が視聴者の興味を引くのである。これもベクトルこそ違うもののいくつかの類似点が見受けられるのである。

次に、このドラマの内容である。

成長境いの少年たちのアドベンチャーといったら名作グーニーズである。まだなにもかも信じきっていたあの時代を切り取り、彼らの視点から映画を描くグーニーズとこのドラマには様々な共通点があると考えている。信憑性の低い逸話を信じ、自分たちなりに考えた理論や目標を達成して行こうとするあの遊び心を、このドラマからも感じるのである。

そう考えているとスタンドバイミーの記憶も呼び起こされるのである。噂だけを頼りに4人の男の子たちがひたすら線路を旅しに行くという物語であったが、このように少年たちの外の世界への興味からなるプチ旅行の走り映画へのオマージュも忘れていないという観点から、このストレンジャーシングスは70、80年代の映画へのリスペクトを感じる。
しかし、僕ははじめはそんなことを考えず、ただ見ていたのだ。だが、あるシーンが頻繁に出てくるのを境に違う見方をするようになった。

 

それはタバコである。

 

このドラマ僕は前半戦の時点で違和感を感じていた。なぜなら、やたらと喫煙者が多いのである。

よく喫煙のシーンが描き出されるのである。それは子供を前にしていても限らずである。

最近はタバコに対する規制が世界的に広がり、子供達への悪影響を懸念し、映画やドラマにはほとんど登場しなくなってしまったのだ。

この話はとても有名であるが、例えば、大人気アニメのワンピース。この話の中でサンジはよくタバコを吸っている。しかし、アメリカのアニメではアメを舐めていることになっている。

1990年代初頭から徐々にそのような活動が米国国内で盛んになり、タバコのを吸っている登場人物が姿を消したのである。しかし、今回のこのドラマはnetflix製作ということもあり、テレビや映画館での鑑賞ではないためこのような規制なく好きなように製作できるのである。
さらに、上記で触れたオマージュを受ける作品は全て規制前時代の映画のである。

なのでその当時はこのドラマのようにタバコを蒸すシーンが度々描かれているのだ。

例えば、スタンドバイミーにおいては冒頭シーンの隠れ家ではひとりのヤンチャ坊主は子供にも関わらず、タバコをふかしていた。これは今では絶対見ることのできないシーンの1つである。もしかすると監督はこのようなある意味無邪気な描写に憧れており、自分たちのガキの頃を思い出し、この作品作りに没頭していたのかもしれない。
僕は本当にこのようなところに映画やドラマの魅力が隠れていると思っている。このドラマは若い人にとってはただ面白いものにしかならないが、70、80年代に子供だった、今立派な社会人にとってはあの無邪気な頃を思い出し、深い思入れをしているのかもしれない。

そしてグーニーズの頃に立派な大人出会った人はグーニーズを見たときに久しぶりに昔を懐かしみ、このストレンジャーシングスでは遥か遠い昔のような感覚で楽しむことができるということである。

 

ただ、この作品、単に活発な子供達に焦点を当てているのではないという点がまた興味深いである。子供を探す、見守る親世代、もちろん無邪気な子供の両方が主人公して切り取られている。上記に示した観点から、このドラマはある限定された世代のために作っているのではなく世代によって楽しみ方が違うという点が本当によくできていると思う。


SF作品の新しい一歩!?
このドラマ紛れもなくSFである。パラレルワールドは理論として一般的な世間に幅広く広がっているが、実際はとても複雑である。それをロードオブザリングの話になぞり、子供達が真相解明している。その様子はまるでスピルバーグ監督の未知との遭遇やETを思い出す。
しかし、宇宙人が登場するようなSFの大定番ではなく(イレブン(登場人物の1人で、超能力を使える)は宇宙人なのか!?)、新しい切り口の理論パラレルワールドについて取り扱っているということである。とても難しい理論を映画マネーショートでしたような簡略的に説明している点や、それを子供達の視点から描いているなど遊び心を感じるのである。
最後に主要な登場人物イレブンについて触れていきたい。彼女は政府に人体実験をされており、超能力の持ち主である。それとパラレルワールドの関係性がシーズン1では語られることがなかったが、そのように様々な疑問を残していずれくるであろうシーズン2に持ち越ししたことが僕にとってはムカつく!!!
単に早く知りたいということである。

今後の展開が楽しみである。

 

びぇ!

唐突に ’弱虫ペダル’ ヤバない??読まない人は損なのか!?[解説と考察]

今回このブログ初、漫画に手を出しました!

なぜかそんなの単純な問題です。

この漫画面白すぎる!

はじめてみたときなんか自転車か、あれスポーツなんかと軽い気持ちで見ていましたのさ、そんな気持ち今になって後悔ですよ!

なんでもっと早く出会わなかったのかよって!

ということで今回今大人気!?漫画弱虫ペダルを熱く語りたいと思います!

まだご覧になってない方はぜひ漫画を買って読んでみてください!

 

毎回同様、様々なカテゴリーに分け、燃焼目指しますよ!!!

 

 

筆者の自転車愛!!!

この漫画とにかく自転車への愛情が紙を超えて伝わってくるのである。スポーツ漫画はわりとそのスポーツの魅力が熱く語られている場合が多い。僕でいうと映画である。

しかし、この筆者の自転車愛ほど凄まじく熱いものは他にないのではと考え込んでしまうほど僕ら読者を虜にしていしまうのだ。

僕は自転車は単なる移動手段にしか過ぎず、自転車というものにあまり深入りがないのだ。しかし、この漫画は自転車という競技の存在意義、そこにハマっていく人たちの気持ちを主観的に描き出し、それを僕ら素人も漫画を通じて体感できるという点が魅力的であると思う。例に例えると体感型のゲームである、VRの世界でないのにこの漫画はそんな体験をしていると気づかないうちに思わせるのである。

漫画の描き方がどっちかというとオーバー過ぎるが、それがかえって自転車という競技の真意なのかもしれない。

キャラたちが自転車を漕ぐシーンも細かくそのシーン毎に場面展開されており、本当にワクワクしてくるのである。

どれだけ筆者が自転車という競技を愛し、理解しているかということである。僕は様々なスポーツ漫画をこれまで読んてきたが、これほどまでに熱意を感じる漫画はなかったと断言できるのである!

 

 

 

主人公が全然ヘッポコである!?

よくスポーツ漫画にあるある、主人公が強すぎるという点。試合を重ねるごとに強くなり、おまえはサイヤ人かとツッコミたくなるような話が多いのである。

例えば、メジャーである。僕のお気に入りの漫画の一つではあるが、茂野五郎の無敵さといったらねとなってしまう。しかし、この主人公小野田坂道(名前から、どんだけ自転車愛してるの?藤川球児かよ!ってなる)は決して体格に恵まれた方ではなく、背は小さく筋肉のないオタクなのである。しかし、彼の意外性が彼の高校を動かしていくのを目の当たりにするのが一つの楽しみである。

例えば、野球漫画ダイヤのエースがこの漫画に近いであろう。メジャーや巨人の星のように主人公が神ってないという点からである。ただ、彼らの奇跡を引き起こすことが試合の展開の風向きを変え、自チームを勝利に向かわせる。僕は実際に自転車のロードレースにでたことがないので、本当の意味での自転車の魅力はわからないがもしかするとこの意外性こそが最も重要なことであり、自転車の最大の魅力であると筆者は僕らに語り掛けているのかもしれない。

 

 

あだ名カッコよくないですか!?

この種の漫画は僕にとっては新しいと思う。登場人物それぞれにあだ名があり、それがかれらのココという勝負シーンで紹介されるのである。この紹介の仕方や名前がロマンがあり、惚れてしまうのである。

例えば、主将の金城のあだ名である。彼は石道の蛇と呼ばれる。

こんなイケメンなセンスのいい名前があるのかと仰天するばかりである。

男には理解してもらえると思うが、スポーツ漫画にこのような一種の邪道がこんなにも光って見えるのは僕だけであろうか。そしてそのあだ名の横にはシャレた説明がつくのである。石道の蛇の場合はどこまでも食らいつく、諦めないという意味で、となっていた。そしてこれは人によってだが必殺技まであるというのだ。田所という巨体の選手の場合だと必殺技、酸素音速肉弾頭といって、ものすごいスピードをだしてコース内を駆け回るのである。

これをみると僕が子供時代によく見ていたイナズマイレブンというサッカーアニメを思い出すのである。いつになっても男性にはこの興奮は付き物であるのかと思ってしまう。

 

このようにこの漫画弱虫ペダルは懐かしい子供時代を思い出すと共に自転車という一種のスポーツの魅力に取りつかれてしまう危ない、中毒性のあるドラッグなのである。

 

びぇ!

 

 

 

 

ララランド:実は奥が深すぎる難解映画!?[解説と考察] part 2

今回ララランド特集第二回ということでさらにヒートアップして語ろうと思います!

まだご覧になってない方はぜひお読みください!

 

shygon.hatenablog.com

 前回は撮影など映画の技術的な部分に焦点を当ててきましたが、今回はね!

さぁー!!今回はミュージカルとこの映画の僕らへのメッセージについて燃焼しますよ!

 

なぜミュージカルでなくてはならなかったのか!?

なぜこのララランドはミュージカルでなければいけなかったのか。

監督の趣味、志向と言われればそれまでであるが(確かにそれもある笑)、これはミュージカルという分野の成り立ちやそれの根本的な、本質的な部分を知らない以外解決策はないと思っている。

では本来ミュージカル映画とは何であったのか。

それは新しい時代を先行する象徴的な分野であった。

モノクロ映画からカラー映画の変換期に映画としての差別化を図るためにカラフルな色使い、迫力のあるセットで人々を魅了して生きたのだ。

そのようなインパクトや第一印象として人々の生活に浸透していったのであった。映画的な作法の方向で考えるとミュージカル映画現実と理想を描くときに効果的なのであると思う。ふつうは回想シーンの導入部分は詳細に描く場合が多いのである。

しかし、それは現在進行中のシーンをブッタきることが必要になってくるのである。

ララランドの場合では最後のシーンが一番わかりやすいが、ピアノの演奏中二人は別のあったかもしれない未来を回想として頭の中で描いていた。

ミュージカルではこのような現実と夢の隔たりが極端に薄れて感じることが特徴なのである。なので、ミュージカルの方が人間の頭の中を詳細に描きやすいのではないかと思う。今回の映画では例えばアが想像しているハリウッドというものにダンスと音楽を載せるだけであんなに迫力のあるミアワールドが展開されていた。

そして最後にミュージカルは理論では語りきれない、理論の域を超えた魅力がミュージカルにはある。

単純に考えてほしい、

映画の中のロマンティックな話に、感情を左右するダンスや、ノリのいい音楽、時には感情揺さぶる高音のきいた音楽が映画館いっぱいに流れるのである。それだけでおなか一杯になりそうであると思いませんかね!?

 

 

最後のシーンとメッセージとは!?

ここが映画では最も重要な部分であるのではないかと思う。この映画実に単純であるが、実に難しい。物語自体は純粋な恋愛物語であり、多くの人が楽しめるような内容になっている。

なので、完全に娯楽作品といえよう。しかし、一筋縄でいかないのが、この映画なのであると思う。作品の中に音楽や映画の専門知識がものすごく多くでてくるのが、わかるであろうか。ジャズのレジェンドたちの名前がぞろぞろ会話の中に入り交じり監督のジャズ愛を感じるのであった。

さらに映画も同じようなことが言えるであろう。

例えば、はじめの方のシーンで名作映画カサブランカについて語る場面があった。あそこで登場するメインキャラクターの俳優ハンフリーボガードの名前が会話に出てきていた。そこでセバスチャンはミアに

君のボガード君はどんな方なの?

と聞くシーンがあったが、まさしくおもしろい場面であると思う。映画を知っている人にはわかるような、あのような小さな小ネタがあの映画には散りばめられているのだ。なので、映画や音楽に精通している人はさらに映画ララランドというものを楽しむことができるのかもしれない。

 

そして、この映画が発するメッセージである。僕は一言で表すと、

自分の夢を優先するのであれば、それに伴う何かを犠牲にしなければいけない

ということに尽きると思う。セバスチャンはツアーで世界を飛び回るようになり、ミアはやっとパリで女優活動に本腰を入れて取り組むようにできるようになった。

しかし、あの映画はなにもかたることなく5年後になり、二人が決別していることがわかるのであった。そして、久しぶりに再会したクラブでは二人で作った思い出の曲の中であったかもしれない夢の幻想を描き、最後になにも語ることなく去っていくのであった。最後の目を合わせるシーンに焦点を当てよう。

僕の感覚ではあるが、最後彼らがあのような行動に移ったのは紛れもなく、彼らはその夢の中の生活を今からでも臨めるかという気持ちを込めてあの回想シーンを共有したが、曲が終わった頃にはもう二人は気付いていた。

もう二度と二人でまた幸せな家庭を築くことなどできない、と

そして、これからはお互い違うパートナーと運命を共にしていくと決めたのである。

最後の二人が向き合うシーンにはそんな意味合いが込められていたのであると思う。

 

あの二人が語るように、愛がほしいなら成功を捨てなければいけない。

逆に成功が欲しいなら愛をすてなければならないのである。これは紛れもなく大人の恋愛であり、彼らの仕事と生活の調整の葛藤を描いているのである。

日本では映画ドラマなどでよく見る、すべてを捨て恋愛を選びハッピーエンドというものがあるが、現実はそんな話ではないということのである。そして、ハリウッドで絶賛された理由の根底には彼らもおなじような体験を少なからずしているということである。これは監督自身の自伝的な要素が含まれているといわれているが、いま表舞台で活躍している彼らにも通ずることがあり、彼らの自身の経験に近いものにこの映画はなっているのかもしれない。

はじめの導入に本編128分では85%しか完成されないと書いたが、それは上記に記した彼らが別れた要因がしっかりと記されていないということである。これは監督があえてしたことだと僕は思う。この気持ちや実情、原因を僕ら観客自身がより合わせ、自分自身で最後はこの物語を完成させることができるという点である。人によってさまざまな理由が存在するので、あえてこの映画を一、一組のカップルの話だけにするのではなく、あえて語らない部分こそがこの映画の魅力を最大限に引き出しているのかもしれない。

そして最後にこの作品のミュージカル映画としても革新的な部分を記して終わりにしようかと思う。上記に記した通り、従来の名作ミュージカル映画への尊敬を示しているこの映画であるが、ミュージカルとしても新しい部分も垣間見れるのである。

例えば、この映画はミュージカルには割と珍しいある種のバットエンドであるということである。従来の映画は映画会社の意向がほとんどであるが、最後ヒロインが別れるといったような映画はものすごく少ないことであった。

しかし、この映画は最後別れて終わるのである。ここがもう一つこの映画の魅力であり、この映画二人が別の道を行くということにマイナスの印象を与えていないという点である。恋愛映画という観点から見るとこの映画は紛れもなくバッドエンドであるが、違う人生を歩むということが彼からからしたら悪いことではないということがわかる。

この映画は大人の恋愛映画なのであるが、同時に彼らが日々悩む愛と仕事の両立をミュージカルという切り口から非常に巧妙に描いているということである。

 

どうでしょうか、少しは映画ララランドに対する感覚は変わりましたでしょうか?

僕自身映画をいうものはさまざまな捉え方があり、十人十色であると思っています。それに決して正解などなくそれが一つの映画の魅力であると同時に思います。

これを見て自分なりにララランドという映画を今一度考えなおしていただけたらと思います。

 

びぇ!